Живопись XVIII — XX веков

Живопись XVIII — начала XX веков

С середины XVII столетия в России зарождается светское искусство, существовавшее одновременно с культовым, иконописным, прошедшим многовековой путь развития и выработавшим устойчивые сюжетные каноны, определенные технические приемы темперного письма. Под влиянием политических потрясений начала века, социальных и экономических сдвигов в жизни русского общества меняется образное мышление художников, изобразительный язык. Этому в немалой степени способствовала освоенная художниками техника масляной живописи, богатая своими возможностями. В художественной жизни страны принимают участие более широкие слои населения, включая ремесленников и крестьян. У художников появляется интерес к бытовому жанру, пейзажу.

Особое значение приобретает портретный жанр. Первоначально это были изображения царских особ и высокопоставленных государственных деятелей, именуемые парсунами (от латинского слова «персона»). Парсуны были еще очень далеки от портретов в современном понимании этого слова. Художники пытались передать портретное сходство своих персонажей, объемно лепить форму головы; особая привлекательность для них заключалась в иллюзорной передаче фактуры различных материалов. Однако, воспитанные на религиозных традициях, они с трудом преодолевали устоявшиеся иконописные приемы. Парсуны мало походили на оригиналы, фигуры их оставались по-иконному плоскими, застывшими, в них отсутствовало пространство, движение, жизнь. Подлинный расцвет портретного искусства наступил в петровское время, когда особо поднялся интерес к человеку как к личности. Примерно с середины XVIII века, когда в России выдвинулась целая группа талантливых живописцев, портретное искусство на многие десятилетия становится ведущим жанром русского изобразительного творчества.

Коллекция живописи Ростовского музея начала складываться с первых лет его основания. Но особенно она пополнилась после Октябрьской революции и продолжает пополняться до сих пор.

Собрание живописи XVIII — начала XX веков экспонируется в залах третьего этажа Самуилова корпуса.

Самые старейшие (по времени создания) картины экспозиции относятся к середине XVIII столетия.

Некоторое представление о парсуне может дать портрет Ф.А. Алябьевой, написанный в 1750 году неизвестным художником. По своим художественным качествам он не идет ни в какое сравнение с существовавшими уже к той поре в России портретами. Видимо, писал его провинциальный художник невысокого мастерства и плохо знакомый с лучшими достижениями русских живописцев.

Фигура Алябьевой совершенно застывшая. В правой руке она с силой сжимает сложенный веер, левая рука неловко вывернута. Голова, лишенная шеи, посажена прямо на плечи, лицо одутловатое, глаза неестественно широко раскрыты. К этому нужно добавить, что фон картины темный, совершенно гладкий, что никак не может передать пространство. Художник пытается придать фигуре объем, он пишет на одежде складки, но они вялые, безжизненные, и в итоге объема не получилось. Большое старание художник приложил при передаче материала, в частности кружев, что в портретах того времени очень ценилось, но и они выполнены не на высоком уровне, ремесленно.

К этому же кругу принято относить другой портрет, но он уже гораздо живее. Речь идет о портрете Я.Я. Мордвинова, написанном художником В. Мезенцевым в 1772 году Мордвинов изображен в красном мундире (в чине капитана), фигура его массивна, лицо, с грубыми чертами, крупное. И этот портрет страдает некоторой неточностью рисунка, в частности, бросается в глаза непропорционально маленькая правая рука.

Фон картины темный, плоский. Художник легкой светотенью едва намечает формы фигуры и головы Мордвинова, он как бы боится еще во всю силу света и тени дать объем лица, фигуры, передать пространство. И в то же время удачно пишет довольно живые глаза, внимательные, усталые. В этом портрете уже есть какая-то психологическая характеристика пожилого (хотя ему в то время было всего 43 года) человека, много повидавшего и испытавшего (Мордвинов с 15 лет был определен в армию солдатом, участвовал во многих сражениях). По художественной выразительности портрет Мордвинова стоит уже гораздо выше предыдущего.

Подобных портретов в экспозиции единицы, большинство же из них принадлежит кисти художников хорошо профессионально подготовленных, умеющих мастерски передать и характер человека, и все цветовое богатство среды, но зачастую, к сожалению, оставшихся неизвестными. К ним можно отнести портреты А.П. Мельгунова, К.М. Полторацкого и другие. Технически хорошо исполнен портрет Н.П. Шереметьева, работы крепостного живописца Н.И. Аргунова (1771 — после 1829), сына выдающегося художника середины XVIII века И.П. Аргунова.

Шереметьев написан в великолепном мундире с муаровой лентой через плечо и множеством орденов на груди. Живопись портрета богата по колориту, художник хорошо владеет мастерством передачи материала, объема, хотя здесь и нет той свободы письма, какую мы увидим в следующих портретах. Лицо Шереметьева исполнено в красивых теплых тонах. Однако чисто внешняя блестящая характеристика портретируемого преобладает здесь над характеристикой психологической, суховато изображенные черты лица недостаточно глубоко передают характер человека, его внутренний облик.

Кисти В.Л. Боровиковского, одного из выдающихся портретистов конца XVIII — начала XIX веков, принадлежит портрет Ростовского митрополита Димитрия. Он был написан художником в 1790-х годах для Ростовского Спасо-Яковлевского монастыря, видимо, с одного из сохранившихся прижизненных изображений митрополита. Исполненный на основе новых технических достижений в светской портретной живописи, он разительно отличается от первых, известных нам сухих и безжизненных портретов Димитрия.

Фигура Димитрия изображена в традиционной для парадных портретов высшей церковной знати позе, на фоне погруженного в полумрак интерьера храма с колоннами классического ордера. На митрополите богатый, украшенный золотым шитьем желтый саккос, на груди на массивных цепях висят крест и панагия, украшенные драгоценными камнями. На голове надета богатая митра.

В передаче материала художник демонстрирует большую свободу владения кистью, разнообразные технические приемы, богатство палитры. Портрет отличается уверенной светотеневой лепкой объема рук и особенно головы. Оставляя в тени все второстепенное, в частности фон и даже митру, живописец сильно освещает лицо Димитрия, концентрируя на нем все внимание зрителя. Мастерски написано худощавое лицо митрополита, его тонкий нос с горбинкой, плотно сжатые губы и проницательные, прозрачные глаза. Внешние черты Димитрия говорят о характере человека, умного волевого.

Далее можно увидеть портрет М.И. Яковлевой 1812 года, еще одно полотно, принадлежащее кисти В.Л. Боровиковского. На нем изображена молодая девушка с гордой осанкой, с красивой небольшой головкой на длинной шее. Резкий, мгновенный поворот головы — излюбленный в произведениях романтической эпохи — придает фигуре динамику, движение. Ее абрис мягкий, плавными цветовыми переходами художник списывает ее с фоном, окутывает воздухом. Очень привлекательно лицо Яковлевой: красивого рисунка полные губы, крупные влажные глаза, черные брови, румянец — есть в ее облике что-то южное, горское. Рисунок портрета безупречен.

Обращает на себя внимание высокое живописное мастерство автора. Портрет написан в теплой гамме; нежными, мягкими, богатыми по цвету полутонами художнику удается передать матовую бархатистость кожи. Белизну ее подчеркивает темное воздушное пространство вокруг фигуры и темно-зеленое платье, едва тронутое на складках световыми бликами. Портрет М.И. Яковлевой — художественное произведение во всех отношениях замечательное, является истинным украшением живописной коллекции музея.

Еще один очаровательный женский образ — копия портрета Н.А. Зубовой, дочери А.В. Суворова, сделана неизвестным живописцем с работы художника И.Б. Лампи. Написанная в холодноватых пастельных тонах, необыкновенно мягко и воздушно, ростовская картина недаром многие годы приписывалась кисти В.Л. Боровиковского, который некоторое время учился у И.Б. Лампи. Образ Зубовой очень близок его ранним романтическим женским портретам.

Очень хороши, эффектны по исполнению портреты Л.Н. Леонтьевой неизвестного художника второй четверти XIX столетия, портрет П.И. Мордвинова 1842 года, работы художника К.П. Мазера и портрет П.А. Бабина первой половины XIX века, кисти художника Л.Ф. Дубровного.

Изображение же В.М. Урусова, созданное ярославским живописцем Н.Д. Мыльниковым (1797—1842) в 1827 году, внешне не обладает эффектными живописными достоинствами предыдущих портретов. Старческая сутуловатая фигура Урусова в темном сюртуке написана на темном фоне. Во всем его облике чувствуется усталость, на плечах его словно лежит груз прожитых лет. Черты лица Урусова простые, грубоватые, взгляд глубоко посаженных глаз как бы направлен в себя. Лицо исполнено неброско, сдержанно по цвету.

Но в этой простоте, отсутствии парадности чувствуется теплое отношение автора к натуре, его желание как можно глубже передать внутреннюю, духовную сущность человека. В живописной коллекции музея видное место занимают купеческие портреты. Часть их была принесена в дар потомками купцов еще музею церковных древностей, другая часть поступила в музей из национализированных купеческих домов после революции.

В послереволюционные десятилетия в сознании людей сложился образ русского купца как человека темного, прижимистого, радеющего, прежде всего, о своей «мошне». Это не совсем так. Купцы были людьми и грамотными, если не сказать образованными, и не чуждыми литературе, искусствам, науке. Они играли видную роль в общественной жизни города, занимали высокие и ответственные выборные должности. Купцы были меценатами, «жертвователями», на свои средства они строили фабрики, гимназии, водопроводы, дороги, богадельни для престарелых (вспомним здесь же и первую грандиозную реставрацию кремля). На протяжении XVIII—XIX веков своим благополучием и процветанием Ростов обязан именно купеческому сословию.

Авторы музейных портретов — провинциальные художники, как правило, безвестные. Не все их работы имеют художественную ценность, часть их написана довольно слабо, с применением одной-двух красок. Главное же их достоинство в том, что они донесли до нас внешний облик людей, являющихся частью давно ушедшей и забытой жизни Ростова. Из подобных работ можно назвать портреты A.M. Кайда-лова и Е.М. Кайдаловой, относящиеся к 30-м годам XIX века. И в те же годы неизвестным художником был создан живой и привлекательный образ купца М.М. Кайдалова. При небольших недостатках в рисунке (узкоплечая тщедушная фигура, слегка завалившаяся влево голова) художник умело, холодными полутонами лепит крупную голову с высоким мощным лбом, мягко окутывает ее воздухом. Трогает зрителя, о чем-то вопрошает взгляд чуть грустных прозрачных глаз. Написан этот портрет с любовью и мастерством.

К середине XIX века относится целый ряд купеческих портретов, хорошо передающих характеры портретируемых, написанных внешне блестяще, скрупулезно, но излишне суховато. Таковы портреты купца Н.Х. Быкова и его сына И.Н. Быкова. Довольно жестко написан портрет Т.К. Быковой, работы неизвестного художника середины XIX века. На картине изображена пожилая женщина, судя по одежде, купеческого сословия. Художник скрупулезно прорисовывает все тончайшие детали богатой одежды: кружева, многочисленные золотые кольца на руках, зеленый атласный платочек на шее. Так же жестко выполнено еще довольно свежее, но уже тронутое первыми следами старения лицо. Однако в крупных глазах этой женщины, их строгом взгляде читается большая воля, незаурядный ее характер.

По чисто живописным достоинства к лучшим купеческим портретам, на наш взгляд, можно отнести портрет Д.М. Плешанова, написанный неизвестным художником в теплой цветовой гамме. Живопись картины очень сложная, насыщенная богатыми цветовыми оттенками и рефлексами, что придает изображению убедительную правдивость, жизненность. Живописными средствами художнику удалось воссоздать на полотне образ человека мудрого, с хитрецой, который, что называется, «сам себе на уме»: это читается и в его взгляде, и в прячущейся под усами ускользающей улыбке.

Совсем в ином плане, в отличие от портрета Быковой, написана картина художника Н.В. Шумова «Голова старухи». В ней все свое внимание автор сосредоточил на изображение головы и рук, и никакие лишние детали одежды его не отвлекают от передачи главного — характера человека.

Живопись картины очень скромная по цвету: черная фигура старухи мягким силуэтом рисуется на темном фоне, из-под черного платка выбиваются седые пряди волос, узловатые руки держат перед собой палку. По краскам картина очень небогата. Но зато насколько выразительно, характерно лицо старой женщины. Оно испещрено морщинами, губы плотно сжаты, на щеках образовались старческие складки, прямо на зрителя обращен взгляд выцветших глаз. Простой й мягкий образ старухи, написанный художником с большой теплотой, звучит резким контрастом к предыдущим холодным, официальным произведениям.

По психологической выразительности очень близок к «Голове старухи» портрет крестьянской девочки, написанный художником П.А. Брюлловым (1840—1914) в 1874 году. Девочка нарисована в белой холщовой рубахе со скромной красной вышивкой по вороту. Она застенчиво склонила голову, взгляд больших детских глаз направлен на зрителя чуть исподлобья. Характер девочки, живой и нежный, оставляет сильное впечатление. Написана картина очень профессионально, отличается свободной лепкой форм тела, передачей материала и световоздушной среды. Живописные достоинства работы П.А. Брюллова позволяют считать ее одной из лучших в экспозиции.

Из жанровых работ обращает на себя внимание широко известная картина художника Н.В. Неврева (1830—1904) «Монахи», созданная им в 1880 году.

На ней изображена полутемная сводчатая келья. Убранство помещения нехитрое. Справа из окна льется неяркий, рассеянный свет, освещающий три монашеские фигуры. Стол, вокруг которого размещены люди, покрыт белой скатертью. На нем стоит графин с вином, стаканы. На заднем плане, в глубине кельи, виден шкаф, небольшой иконостас с горящей перед ним лампадой. На переднем плане спиной к зрителю сидит молодой монах с пачкой женских фотографий в руках. Фигура его вся в тени, свет из окна освещает контрастно только профиль его лица с самодовольной усмешкой. Двое пожилых монахов рассматривают одну из фотографий. Как характерны их лица и позы! Сидящий толстый монах откинулся назад, с улыбкой рассматривает фотографию в далеко отведенной вперед руке. Лицо его сытое, рыхлое, с маленькими заплывшими глазками. Старик-монах, стоящий за его спиной, резко наклонился вперед, глаза его широко раскрыты, словно он увидел нечто невероятное.

Показывая нравственную атмосферу быта монахов, Неврев в своем произведении добивается обличительного эффекта огромной силы.

Идея картины мастерски воплощена художником живописными средствами. Особенно хорош в ней мягкий свет, который и пластично лепит форму, и наполняет келью воздухом, придавая произведению большую жизненность.

Пейзажных картин конца XIX — начала XX веков в музее не очень много, но они написаны выдающимися мастерами. Две из них принадлежат кисти великих мастеров русского реалистического пейзажа — А.К. Саврасова (1830— 1897) и И.И. Шишкина (1832-1898).

Картина А.К. Саврасова «Проклятое место» написана в 1872 году. В ту пору творчество художника наиболее полно проявилось в лирическом пейзаже. Ни один из русских художников, работавших одновременно с Саврасовым, не смог так мягко и задушевно отобразить красоту русской природы, раскрыть в своих полотнах лирическую тему.

На переднем плане картины изображены засохшие стволы могучих деревьев, с причудливо переплетающимися оголенными ветвями. За ними — багрянец осеннего леса, сбегающего по косогору к реке, а дальше — необозримая даль реки с едва заметным, плывущим по ней плотом. Мотив пейзажа скромный, но исполнен он с присущим Саврасову мастерством, очень выразительно. Картина наполнена светом, широки и воздушны ее дальние планы, она дышит настроением сухой, увядающей осени.

Крупнейший мастер эпического пейзажа И.И. Шишкин создал картину «Лес» в 1892 году. На ней изображена опушка леса, освещенная солнцем. Могучие сосны и ели стройными колоннами взмыли к небу, на переднем плане — буйство разнотравья. Очень красив в произведении контраст ажурно освещенных ветвей молодых елочек, нарисованных на фоне затемненного, влажного леса. Пейзаж навевает представление о неиссякаемой силе и красоте русской природы.

Картина «Прибой» написана выдающимся русским маринистом И.К. Айвазовским (1817—1900) в 1893 году. Колорит ее серебристый. Однако эта общая цветовая гамма богата тонкими цветовыми нюансами. Так, неспокойные воды моря исполнены самыми различными красками — от зеленоватых на переднем плане, до темно-синих и фиолетовых — на заднем. Хорошо переданы свинцовое бурное небо, набегающие на берег пенящиеся волны, прибрежный песок и прозрачная вода на нем.

Огромное водное пространство на холсте не пустынно, оно наполнено жизнью. В глубине, почти на горизонте, бежит по волнам парусник, слева вдали мы видим скалистый берег с едва заметными крышами прибрежного селения, на фоне их видно еще несколько суденышек. Над волнами носятся чайки...

Кисти одного из выдающихся мастеров пейзажа второй половины XIX века В.Д. Поленова (1844—1927) принадлежит картина «Часовня на берегу Оки» (1893 год) и этюд «Развалины Тивериады».

Этюд «Развалины Тивериады» — один из многих (более 80), написанных Поленовым во время его путешествия по странам Востока. В 1885 году художник показал свои этюды на передвижной выставке, и с этого времени он становится признанным первоклассным мастером этюда. Для этюдов Поленова характерны тончайшие цветовые отношения, тщательная проработка деталей, мастерская передача свето-воздушнои среды, глубоко продуманное композиционное решение. Это же в полной мере можно отнести и к этюду «Развалины Тивериады», который поступил в Ростовский музей из Третьяковской галереи в 1933 году.

В 1889 году Поленов приобретает имение Борок на берегу Оки, близ города Тарусы, где проводит каждое лето. Его Давно манили к себе приокские места своим климатом и красотой природы. Здесь он пишет небольшую картину «Часовня на берегу Оки».

На ней изображен широкий холмистый приокский пейзаж. На прибрежном склоне стоит маленькая одноглавая часовня, к ней бежит тропинка. Вся панорама окутана легкими вечерними сумерками, дали уже погасли в синеве, а на крыше и главке часовни ярко горит последний луч заходящего солнца. Пейзаж пронизан вечерней тишиной, наполнен теплым воздухом. Произведению В.Д. Поленова близка по настроению большая картина А.М. Корина (1865—1923) «Бурлаки», написанная им в 1897 году.

Сильно вытянутый по горизонтали формат холста очень удачно отвечает избранному автором сюжету. На полотне мы видим необозримую даль реки, баржу на ней, уткнувшиеся в берег лодки и группу бурлаков, отдыхающих после трудового дня на каменистом отлогом берегу. Солнце уже зашло, все покрыто вечерними сумерками, и только чистое небо ярко горит розово-фиолетовым светом, как в зеркале, отражаясь в глади реки. На берегу — небольшой костер с подвешенным над ним котелком, пламя костра теплыми бликами ложится на колоритные фигуры беседующих бурлаков, одетых в рваные одежды. Тишиной и спокойствием веет от произведения Корина.

Еще один вечерний пейзаж мы видим в картине П.А. Суходольского (1835—1903) «Степная дорога». В ней тоже все окутано вечерними поздними сумерками, но, в отличие от предыдущих работ, природа здесь степная, равнинная. Прямо от зрителя вдаль уходит дорога, на переднем плане по ее краям стелется степная трава, а далее все пространство тонет в густых сумерках. На горизонте, на фоне яркого закатного неба, высится одинокий ветряк. Все, кажется, погружается в сон, еще миг — погаснет красная полоска неба и наступит глубокая ночь.

Полна настроения картина В.В. Переплетчикова (1868-1918) «Весна», написанная в 1897 году. Изображен берег реки. Лед у берега подтаял, и открылась полоска холодной зеленой воды. На втором плане виднеется группа оголенных черных деревьев и кустов, за ними чернеет крыша какого-то строения. Крутой берег местами обнажился от снега, в прогалинах проглядывает темная земля. Небо серое, но чувствуется, что через плотный слой облаков пробивается солнечный рассеянный свет, неярко освещающий весь пейзаж. Холодные серебристые, серые, черные краски хорошо передают состояние ранней весны.

В конце XIX века некоторые авторы часто обращались к сюжетам из жизни прошлых столетий. К ним принадлежит и художник К.А. Вещилов, написавший очень жизненную картину «Возок XVII века». В ней показан высокий берег реки, за ней широкая даль равнины с перелесками и торчащими на горизонте церквушками. На косогоре, сбегающем к реке, стоит церковь и колокольня с зелеными кровлями. Все пространство покрыто снегом, видимо, еще первым, тающим, грязным. Незамерзшая вода в реке почернела, хмурое синее небо, отражающееся в ней, неспокойно, оголенные деревья сиротливо мерзнут на ветру.

В глубине пейзажа, средним планом, изображена небольшая жанровая сценка: на раскисшей дороге стоит крытый высокий возок, запряженный тройкой лошадей. Из открытой дверцы его спускается на снег полосатая домотканая дорожка, рядом стоит боярин в высокой шапке и кафтане с длинными рукавами. Перед ним упал на колени прямо в грязь пожилой мужчина, вокруг стоят несколько бедно одетых крестьян.

Эта сцена очень выразительна, но в картине она занимает очень незначительное место, главное в ней принадлежит прекрасно написанному пейзажу, напитанному сыростью, холодом глубокой зябкой осени...

Академик живописи Е.Е. Волков (1844—1920) не принадлежал к числу выдающихся русских пейзажистов, пролагающих новые пути в живописи. После создания нескольких превосходных пейзажных картин в 80-е годы XIX столетия в творчестве художника наступает застой, объясняемый тем, что он не занимался серьезно изучением природы и не совершенствовал своего мастерства. Тяготение живописца к внешней красивости композиции, идилличности заметно и в картине «В зарослях», где изображен пруд, заросший кувшинками, лодка, прибрежные кусты. Весь пейзаж освещен холодным солнечным светом, больше похожим на лунный, что лишает его жизненной достоверности.

Одним из выдающихся пейзажистов, прошедших хорошую академическую школу, был Н.Н. Дубовской (1859— 1918), произведение которого «Ладожское озеро» экспонируется в музее. К концу XIX века художник, уже будучи зрелым мастером, приходит к решению обобщенного образа природы в пейзажах с широкими, открытыми просторами полей или водной глади. На картине «Ладожское озеро» показаны спокойные серебристые воды озера с парусниками на горизонте, высокое летнее небо. Очень живописно, мастерски выполнены прибрежные камни, легкие волны, набегающие на них, редкая трава между камнями. Удивительно сочно, свежо написан передний план, будто все омыто летним дождем, только что пронесшимся над озером.

Очаровательный образ молодой женщины создал в своей картине «Гладильщица» К.Е. Маковский (1839—1915). Гладильщица стоит с утюгом в руках над столом, голова ее чуть наклонена вниз, глаза опущены. На ней надета светлая, в полосочку, кофточка, волосы гладко зачесаны. Фигура женщины и пространство комнаты написаны мелкими мазочками разного цвета, тонкой кистью, что придает изображению необычайную мягкость, воздушность. Очень нежно исполнено лицо. С помощью тонких цветовых отношений в свету и тенях художнику превосходно удается передать свежесть его бархатистой кожи, легкий румянец, а в общем — молодость и красоту.

На обратной стороне холста существует надпись о том, что «Гладильщица» экспонировалась в парижском Салоне, на выставке Французской академии, крупнейшей в Европе, участие в которой считалось почетным.

Произведение М.В. Нестерова (1862—1942) «В обители» (1921 год) поступило в Ростовский музей из Государственного музейного фонда в 1924 году. В нем художник еще раз обратился к столь близкой ему в прошлом религиозной теме. Он изображает группу монахинь, молодых и старых, идущих по лугу на фоне прекрасно написанного осеннего леса с узкой полоской неба над ним. Вдалеке, на опушке, видны одноглавая деревянная церквушка и несколько строений обители.

В первые трудные послереволюционные годы Нестеров отходит от художественной деятельности и до начала 30-х годов прошлого века не участвует в выставках. «В обители» это лишь воспоминание о прошлом, повторение самого себя. И композиция произведения — перепев старых мотивов в творчестве художника, и центральная фигура молодой монахини — буквальное повторение фигуры с другой его картины («Фленушка»). Однако в ней есть много чисто нестеровского настроения: спокойствия, осенней хрупкой тишины, той особой «благости», которая присуща произведениям Нестерова.

Этюд К.А. Коровина (1861—1939) «Зима» написан в 1914 году гуашью на бумаге. На нем изображен уголок зимней деревни. Колористическое дарование одного из лучших русских пейзажистов проявилось в этой работе, где немногими живописными средствами Коровину удалось передать состояние зимнего дня с заиндевевшими деревьями, морозным клубящимся воздухом и прозрачными тенями на снегу.

Картина И.Э. Грабаря (1871—1961) «Рябина» была куплена музеем у автора в 1926 году.

На раннем этапе своего творчества Грабарь писал мелкими мазками чистого цвета, отчего поверхность его полотен мерцает, переливается многоцветьем (таковы его «Февральская лазурь», «Мартовский снег», натюрморты). С начала 20-х годов прошлого века его техника постепенно меняется. Теперь он пишет плотно, большими красочными пятнами, скульптурно лепит форму. Пересмотр живописного метода у Грабаря проходил плодотворно, следствием чего являются несколько прекрасно написанных в это время пейзажей, к которым можно отнести и очень красивую по композиции и цвету «Рябину».

Она написана с низким горизонтом, все пространство холста занимает ветвистая рябина с ярко-красными ягодами, изображенная на фоне синего неба с бегущими белыми облаками. Ствол рябины, земля и деревянные строения на горизонте освещены оранжевым вечерним светом. Произведение написано сочными, чистыми красками.

Картина К.Ф. Юона (1875—1958) «Собор в Ростове Великом» выполнена в 1906 году. Можно назвать несколько полотен Юона, написанных им в Ростове в 1904, 1906, 1916 годах, но «Собор в Ростове Великом» считается одной из лучших, посвященных этому городу.

Первые годы прошлого столетия — время расцвета искусства художника. Колорит его произведений приобретает исключительную чистоту и звучность, чему в немалой степени способствовали поездки Юона по древним городам. Композиции его достигают той степени обобщенности, когда исключаются всякие случайные и малозначительные элементы, а на первое место выдвигается задача гармонического расположения на холсте больших масс деревьев, сооружений. Это же можно наблюдать и в великолепной по композиции, написанной в красивой серебристой гамме картине «Собор в Ростове Великом».

В экспозиции музея находится несколько картин талантливого живописца, ученика И.И. Левитана П. И. Петровичева (1874—1947): «Ростов зимой», «В Богословекой церкви Ростова», «Вид на Ростовский кремль с озера» и другие.

Петровичев был кровно связан с Ростовом Великим. Родился он недалеко от Ростова, в юности, прежде чем поступить в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, несколько лет работал в музее церковных древностей Ростова в качестве реставратора икон. С тех пор он на всю жизнь сохранил привязанность к древнему городу, посвятил ему немало работ.

Очень живописны интерьеры церквей работы Петровичева. Для них характерны тонкая разработка колорита, плотное письмо.

«Ростов зимой» Петровичев писал с высокой точки, видимо, с Водяной башни кремля. Мы видим заснеженное озеро и едва заметный его дальний берег. На переднем плане изображен уголок старого Ростова с церквами, деревянными домами и темными кронами деревьев. На фоне заснеженного пространства красивыми декоративными пятнами смотрится город. Этюд «Вид на Ростовский кремль зимой» написан широко, свободно, в красивой серебристой гамме. В последний год своей жизни Петровичев создал маленькую картинку «Вид на Ростовский Яковлевский монастырь», где изображена панорама монастыря с расположенными рядом с ним деревянными домами. Она написана сочно, крупными цветовыми пятнами, без излишней детализации пейзажа. Красива работа богатыми по оттенкам зелеными и серыми красками.

В фондах Ростовского музея хранится немалое количество живописных произведений.

К началу XX века относится значительное число картин, написанных младшими современниками Грабаря, Юона, Нестерова: известными живописцами П.П. Кончаловским (1876-1956), А.В. Куприным (1880-1960), P.P. Фальком (1886-1958), А.В. Лентуловым (1882-1943) и другими, чьи уже отреставрированные портреты, пейзажи и натюрморты в ближайшее время значительно пополнят экспозицию «Живопись XVIII — начала XX веков».